EN UTSTILLING OM Å UNDRE SEG OG Å UNDERSØKE DE SMÅ OG STORE TING – OVER OG UNDER BAKKEN. EN OPPLEVELSE FOR ALLE SANSENE.
UNDER er en utstilling hvor vi har hentet fantasiskogen inn i byen. Når du kommer på innsiden av dørene står vi inne i skogen …og under bakken. Hva finner vi der?
BEVARE MEG VEL “Bevare meg vel” har hun laget en serie med tittebokser som alle har fått hvert sitt navn. De heter vriene ting “argument” og “selvinnsikt”. Ord som kan være vanskelige å forstå fullt ut for både store og små. I eskene finner vi ulike skatter som Møller vil dele med oss. Mange av skattene kan virke kjente og minne oss om noe vi har sett i skogen. Boksene frister til berøring, men skatter vi vil beholde, kanskje for evig, må vi bevare godt. Det er derfor vi må bruke sansen SYNET når vi varsomt går på oppdagelsesferd i boksene.
SANSESTIEN Farger, former, figurer dukker opp litt her og litt der. Det kan være noe eller noen. Noe som minner om eller ligner på. Kanskje litt eller veldig mye. På sansestien kan man ikke gå seg vill. Den begynner når du er klar og slutter når du er ferdig. Møller sin tekstilkunst utgjør det meste av sansestien. Innholdet har oppstått et sted mellom skogens- og fantasiens verden. Vil du bli godt kjent med den er det lurt å bruke alle sansene.
PXZZLL MANUELL Liker du puslespill? Husker du da du fant den siste biten? Bildet lå der og var ferdig …og hva så? Orker du å rive det i fra hverandre igjen og begynne på nytt? Eller var det morsomst å pusle, lure og lete? Hva om du kan pusle høyt, lage et tårn eller en labyrint? Det er lett å lage figurer og former med Pxzzll Manuell. Bygg og vend opp eller ned og flotte mønster dukker opp. Best av alt. Det er ferdig når du synes det er akkurat så fint og gøyalt som du ønsket
ELI MØLLER Eli Møller (f 1943) er bosatt i Rælingen. Hun er utdannet ved Interiørarkitektskolen i København. Etterutdannet ved Statens Håndverks og Kunstindustriskole, SHKS, som hospitant ved inst. for tegning, modeller og rader. 1987-90. Medlem av Norske Billedkunstnere NBK og Billedkunstnerne i Oslo og Akershus BOA i 1990. Møller har en lang rekke utstillinger bak seg, både kollektivutstillinger og separatutstillinger. Hun arbeider med flere teknikker som ulike grafiske trykkteknikker, akvarell, tekstil, blyanttegninger, tekst og illustrasjon.
Sett et bilde du liker, men usikker på om det vil passe hjemme hos deg? Vi vil at du skal være 100% siker på at du kommer til å like bildet du kjøper hos oss. Derfor tilbyr vi våre kunder å kjøpe en plakat eller et prøvebilde av ønsket motiv. For kun 150,- sender vi deg motivet i riktig størrelse slik at du kan prøve bildet på veggen hjemme først. Slik kan du med egne øyne se om det blir akkurat slik du hadde håpet.
Å kjøpe et nytt bilde kan by på noen utfordringer. Er det riktig størrelse? Vil det stemme over ens med resten av interiøret? Hvordan tåler det lysforholdene i rommet mm. Som en hovedregel bruker vi å si at “liker du bildet så vil det alltid passe”. Det man kanskje skal være mest skeptisk til, er å være for lite vågal i valgene av kunst. Hvis bilder blir valgt for å stå til interiøret så ender det fort opp med å se ut som om du bor i en møbelkatalog. Kunst skal tåle å stå gjennom ulike interiørtrender og “årets farger” og skal helst være noe du blir mer og mer glad i.
Nettopp derfor har vi utviklet et nytt produkt hos oss! Kanskje dette gjør at du tørr du å være litt ekstra vågal i bildevalget? Kanskje vil du følge din egen stil og stemme mer hvis du hadde hatt muligheten til å prøve bildet på veggen først? Det kan du nå! For bare 150,- kan du bestille en prøveprint eller en plakatprint av det motivet du ønsker å teste. Prøven sender vi hem til deg i posten. Du kan enkelt henge det på veggen med en liten tape eller bluetac for å se det selv på din egen vegg. På denne måten kan du se motivet i de omgivelsene det skal henge i. Du kan få se det på dagtid og kveldstid med forskjellig lysforhold. Ikke minst vil du oppdage endringen det gjør med atmosfæren i rommet.
Slik gjør du:
1) Finn et motiv du liker i vår nettbutikk eller i vårt galleri.
2) Send oss en mail eller sms med tittel på bilde, størrelse og din kontaktinformasjon (navn, etternavn, adresse, epost og telefon.) Merk: enkelte av våre bilder kommer i opplag med variable størrelser. Det vil si at vi har muligheten til å justere formatet på bildet til enten større eller mindre, innenfor ett opplag. Et eksempel er et kunstverk i str 90×120 cm kan justeres til å bli mindre som 80x 100 cm eller større som i 110×140 cm. (Sørg for at bildet holder samme sideforhold.)
3) Du vil motta et vippskrav på 150,- pluss fraktkostnader.
4) Så fort bildet er betalt vil vi sende deg en rull med bildet i posten. Du vil da kunne henge det opp på veggen din hjemme for å se selv om det passet slik du hadde tenkt. Prøvebildet er ditt og du kan teste det så lenge du ønsker. Vi anbefaler ofte å “bo” litt med det hjemme i noen dager for å kjenne om det stemmer.
MERK: Plakat/prøvebilde er printet på et plakatpapir som ikke har samme eksklusivitet, holdbarhet, overflate, tykkelse mm. som våre andre bilder. Papiret har derfor en annen fargegjengivning og “finnish” enn det du kan forvente av det egentlige kunstverket. Prøvebildet vil også komme med et vannmerke av vår logo på. Dette gjøres fordi plakaten ikke er ment som kunst til veggen, men som en hjelp til deg for å kunne ta en trygg avgjørelse i kjøpsprosessen for ditt neste kunstverk.
Ta gjerne kontakt med oss på epost eller telefon dersom det er noe du lurer på. Vi hjelper deg gjerne!
“More Somehow” er et samarbeidsprosjekt mellom fotografene Stig Marlon Weston fra Norge og Meggan Gould fra USA. Prosjektet viser fotografier bestående av to motiver som smelter sammen. Ett motiv av Weston og ett motiv av Gould- fotografert på samme negativ.
De to kunstnerne møttes tilfeldig på en fotofestival i USA der de endte opp i en diskusjon om sine delte frustrasjoner over fotografiets begrensninger. Med en felles opplevelse av hvor vanskelige det var å slå seg til ro med mediet de begge elsket og hatet, holdt de kontakten gjennom flere år før de bestemte seg for å gjøre et prosjekt sammen. For samarbeidet satte de opp noen få retningslinjer for hverandre. Et mål var å ikke diskutere hverandres arbeider, men heller skape fotografier sammen utifra troen på en delt filosofi om fotografi. Begge ville fotografere sine egne bilder slik de selv ellers ville, uten å fortelle hverandre hva slags motiv de jobbet med. Rent praktisk brukte de begge storformatskamera, slik at de begrenset seg til å kun fotografere en håndfull eksponeringer av gangen, før de sendte den eksponerte og ufremkalte filmen med posten over Atlanterhavet. Noen ganger la de likevel ved små hint om bruk av farger, komposisjon eller retning på bildet. Disse ble godt pakket inn slik at den andre måtte velge om de ønsket å se på de- ofte med resultat i at hintene ble liggende uåpnet. Istedet skrev de brev til hverandre om hva de ellers tenkte på og jobbet med.
Etter 5 år møttes de igjen for å se gjennom og sortere bildene de hadde tatt så langt. Tilsammen satt de med bare litt over 100 bilder og en delt overraskelse over hvor overlappende blikkene deres faktisk var. Gjennom årene har de begge fotografert for å undersøke sine egen praksis samtidig som de også forsøkte å tilnærme seg den andres forståelse av deres fotografi. Bildene viser hvordan de begge har vært opptatt av de grunnleggende elementene i fotografiet som lys og farger, studioverktøyene de bruker og motiver som er inspirert av de andre fotoprosjektene de jobbet med. Med en overraskende samstemt rytme på når de fotograferer inne, ute, detaljer og overblikk ender bildene deres opp med å vise hvor mye en kunstner er tilknyttet en bredere tidsånd og interessesfære som også er delt av andre.
OM MEGGAN GOULD:
Meggan Gould bor og jobber i fjellene utenfor Albuquerque, New Mexico, hvor hun er professor i kunst ved University of New Mexico. Hun mottok en MFA fra University of Massachusetts - Dartmouth, og en BA fra University of North Carolina i Chapel Hill. Arbeidene hennes har blitt utstilt bredt i USA og internasjonalt, og er inkludert i mange private og bedriftssamlinger, så vel som offentlige samlinger inkludert DeCordova-museet, Preus-museet, New Mexico Museum of Art, Light Work og University fra New Mexico Art Museum. Hennes mangefasetterte praksis bruker fotografi, skriving, tegning, skulptur og installasjon i en åpen disseksjon av visjon og fotografiske verktøy.
OM STIG MARLON WESTON:
Stig Marlon Weston er en fotograf og daglig leder i Cyan :studio. Som kunstner bruker han fotografiet som redskap for å gjenskape sannheten, ikke bare avbilde en subjektiv tolkning. Westons karriere og utstillinger viser hans engasjement for å utforske og formidle sin unike synsvinkel på verden gjennom fotografi. Weston har hatt en variert karriere med flere utvalgte separatutstillinger. Blant disse er "Oslo negativ 2022", "Empirical" under Copenhagen Photo Festival i København, Danmark, "Nærområde" ved Galleri Blaker Skanse/Kunstskansen i Viken, "Croisière au Cercle Polaire. Eté 1929" ved Maison Losseau i Mons, Belgia, og "Holt" ved Bærum Kunsthall i Fornebu, Oslo. Han har også hatt utstillinger som "Divinations" ved Shoot Gallery i Oslo, "Aning" ved Lørenskog Kunstforening i Akershus, og "Månelyst" ved SAGA fotosenter i Inderøy. Andre utstillinger inkluderer "Sampling Nature" ved A un V gallerie i Leipzig, Tyskland, "Landkjenning" ved Galleri Pontoppidan i Oslo, "Sommerminner" ved OSCAR studio&galleri, "Om disse veggene kunne snakke" ved Dostoprimetschatjelnosti i Berlin, Tyskland, og "Naturlig" ved Milleniumskonferansen i Oslo.
Store bilder som ikke får plass i bilen, kostbare bilder som bør fraktes ekstra varsomt eller rett og slett mangel på tid. Vi får ofte henvendelser om frakt og transport av bilder som skal til innramming. Vi hjelper med henting og levering av alle typer bilder.
Bilder polstret, plassert og sikret for lokal transport.
Vår nye frakttjeneste av kunst kan benyttes på dagtid og kveldstid. Bilder kan både hentes og bringes eller benyttes kun én vei. Vi garanterer sikker frakt hele veien fra dør til dør. Vi har i lengre tid hatt et samarbeid med Nittedal Transport til transportering av kunst til og fra galleriet. dette samarbeidet har fungert så bra at vi nå ønsker å tilby denne tjenesten til våre egne kunder. Tilbakemeldingene vi har fått så langt har vært svært positive. Punktlig, hjelpsom og hyggelig er meldingene vi får tilbake. Stort bilde, liten bil. Det problemet har vi funnet en løsning på!
Transport av store bilder og kunst, og da spesielt de kunstverk som er rammet inn med glass, kan være en utfordring å frakte. I de fleste personbiler er alternativet som regel å legge bildet flatt under transport. Med bilder i mindre formater så fungerer dette godt dersom bildet er godt beskyttet og riktig plassert. Bilder i større formater vil ofte få et stort spenn i glasset når det blir liggende og vi vil anbefale stående transport i disse tilfellene for å minimere risikoen for at glasset sprekker. Sprukket glass er ergelig (og dyrt), men faren det utgjør for kunstverket er langt mer alvorlig. Kunst krever en spesielt varsom behandling under transport og mye handler om selve håndteringen inn og ut av billen. La oss ta oss av pakking, sikring og frakt av ditt kunstverk så er du sikker på at det kommer frem i god behold.
Ta kontakt med oss for å få pris. Priser varierer etter avstand og om det er andre spesielle hensyn som hasteoppdrag og fleksibilitet ved levering mm. Ta kontakt på telefon: 94 00 10 20, epost: [email protected] eller i kontaktskjemaet her.
Tekstiler på veggen – innramming og oppspenning av pledd/teppe. Ønsker du deg et stort bilde på veggen? Vi har rammet inn flere tepper fra Slowdown Studio som blir veldig lekre i mange interiør. Det er mange som spør oss om hva det koster å ramme inn et slikt teppe. Her har vi litt info om løsningene du kan velge hvis du vil ramme inn et teppe du liker godt. På bildet over har vi brukt en blindramme med aluminium og limtre (25mm) og en eike-list som er dyp nok til å skjule blindrammen.
Hvis du vil henge et teppe, pledd eller en annen tekstil på veggen må det spennes opp på en blindramme. Hvilken type blindramme som bør brukes kan du lese mer om her på vår side om innramming. Det er et stort utvalg i rammer du kan velge i på vårt showroom på Lillestrøm. Under finner du 3 løsninger på innramming av et slikt teppe fra Slowdown Studio som er 137x178cm stort.
Løsninger på innramming at teppe/pledd priser 2023
LØSNING 1: Kun blindramme med oppheng – billigste løsning fra kr 3300,- (blindramme i tre) , og opp til kr 7750,- (Blindramme 45mm med alu/limtre)
LØSNING 2: Float innramming av teppe, kalles også innramming med L-List i eik starter fra kr 9900,- inkludert oppspenning på enkel blindramme i tre. (Se bilder på gul vegg)
LØSNING 3: Innramming med enkel sort ramme fra kr 6340,- inkludert oppspenning på enkel blindramme i tre.
På bildene over ser du baksiden på bildet etter oppspenning på blindramme i alu/limtre. Det er satt inn et alu-kryss bak som gjør at bildet henger stabilt og rett “for alltid”. Dette gjør at du kan velge en smal ramme, eller float-list uten å være bekymret for at treverket skal bevege seg og løfte seg ut fra veggen.
Hvis du velger en bred og stabil ramme kan blindrammen bak være tynnere og kun i tre.
Robert Bergvall (Sverige) er nyutdannet keramiker og jobber hovedsakelig med porselen i sin kunst. Prosjektet “Friends of Dorothy” utgjør deler av hans avgangsarbeid fra keramikklinjen ved Kunsthøyskolen i Oslo.
I sitt prosjekt belyser Bergvall spørsmål som handler om likhet og ulikhet, identitet og personlighet. Hvor store endringer skal til for at noe med det samme utgangspunktet blir til noe eget? Hvilke elementer og symboler behøver vi for å tillegge noe personlige egenskaper?
Uttrykket en “venn av Dorothy” er en homofil kode som etter hvert har blitt utbredt i hele LHBTQ-miljøet. En “venn av Dorothy” ble ofte brukt gjennom det 20. århundre da skeiv legning var mindre akseptert. Ved å si at man var en “venn av Dorothy”, kunne man signalisere en skeiv seksuell legning, forhåpentligvis uten å få problemer. Begrepet sies å stamme fra karakteren Dorothy Gale fra Wizzard of Oz. Serien er kjent for å inneholde mange skeive hentydninger og Judy Garland som spilte Dorothy i filmen Wizard of Oz, regnes som et homoikon.
Readymade fra Fretex
I serien “Friends of Dorothy” moderniserer Bergvall den klassiske porselens-figuren og gjenskaper den i en rekke ulike former. Kanskje får de med dette også dertil unike personligheter? Originalen som er brukt som utgangspunkt for alle av Dorothys venner, er en readymade porselensfigur. Den er ikke av noe kjent merke, men noe Bergvall fant relativt tilfeldig i en kasse på Fretex.
Selv sier Bergvall at “hver av figurene representerer forskjellige deler av det skeive samfunnet”. På et mer personlig plan utforsker Bergvall hvordan hans egen legning kan ta mer plass i hans kunstneriske praksis, og hvordan dette kan inkorporeres i selve kunsten. Regnbuen og fargesymbolikk står sentralt i Bergvalls kunst. Enten de brukes for å representere de ulike fargenes symbolikk, eller når de brukes for å henvise til homofiles fargesymboler i såkalte “hanky codes”. Det er et subtilt kodesystem som ble brukt for å uttrykke seksuelle preferanser. I LHBTQ miljøet har farger hatt stor betydning både historisk og i dag og de har vært aktivt brukt av bevegelsen både i kamp og lyst.
Om du ønsker å få deg en av “the friends” selv kan du kjøpe din favoritt i vår shop – enjoy!
En av våre kunstnere, KokkoArt har sine designer-poser med grafitti på i galleriet. Det er mange som synes dette er en morsom måte å kommentere moteverdenen på. Veskene som har kommet i disse papirposene er ofte samleobjekter, og en av våre kunder er en stor samler av Louis Vuitton. Hun ønsket å gjøre noe med sine egne poser etter et besøk i galleriet vårt.
Vi ble med kunden/Helle hjem på en befaring, for å se hvilke vegger som kunne passe til prosjektet. Valget falt på en nisje i gangen som bare “var der” uten noen spesielle bruksområder. Vår plan var å fargelegge og “forstørre” rommet ved å kle nisjen fra gulv til tak med innrammede og fargerike “Louie-bags”.
Prosessen fra ide til ferdig vegg
Prosessen settes i gang og mål taes, skisser tegnes og prisestimat regnes ut. I slike oppdrag er det gjerne både to og tre møter for å komme frem til løsningen. Denne gangen fikk vi og KokkoArt veldig frie tøyler, og ideene kunne flyte. Den eneste føringen vi fikk var : “Bruk så mange poser dere vil, og jeg liker veldig godt regnbuens farger”
Når vi på OSCAR studio&galleri får bruke alle våre fagområder kan vi levere alt fra design og ide, valg av materialer, bildebehandling, tilpassing til interiør, levering og selve opphengingen. Vi ønsker at våre kunder skal få personlig preg på det vi leverer og kose seg med det de har valgt å ha på veggene. Send oss gjerne en mail eller ring oss om du vil ha hjelp til ditt prosjekt.
Vi ser ofte i oppdragene vi har hjemme hos kundene våre hvordan rommene endrer karakter og stemning med bildene. Mange er redde for at det skal bli for mye bilder eller at bildene skal bli for store, eller vet ikke hvor de skal begynne. Dette er noe vi hjelper til med hele tiden. Du kan bestille et besøk hjem til deg, vi kommer gjerne.
Har din bedrift behov for hjelp til utsmykking i egne lokaler, eller ute på prosjekter som skal vises til kunder? Her har vi stylet visnings-leilighet for OBOS med våre fotografier og fotobøker. Les mer om oss og hva vi kan hjelpe til meg på vår nettside
Vi har levert utsmykking, innramming og reproduksjon av gamle fotografier til Lillestrøms vakre selskapslokale Kjeller Gård.
Kjeller gård er totalrenovert av Anne Rommen og Geir Christian Nielsen. Det er lagt stor vekt på kvalitet og håndverk i hver detalj i interiøret. Dette gjelder også innramming og bildene på veggene. De ønsker å tilby et hus som gir deg følelsen av å komme hjem når du går inn døren, og det følte både vi og bildene vi leverte!
I trappen opp til 2. etasje laget vi en reproduksjon av et gammelt bilde. Fotografiet av familien Selboe som tidligere bodde på gården var lite, gammelt og falmet. Vi har reprodusert, restaurert og forstørret bildet og gitt det ny innramming. Her har du “før og etter ” bilder av originalen.
Innrammingen er valgt ut i fra tidsriktig stil til fotografiet, men også til den nydelige trappen som tar deg opp mot soverommene og himmelrommet. Listen som er brukt er fra Larson&Juhl og serien heter Intermezzo.
Inne i det grønne “champagnerommet”, hvor det skal mingles, har Anne valgt disse tre motivene fra Kristin Jacobsens serie “Fabelblomster” . Innramming med høyglans gull-list 15-001 og passepartout. Dette harmonerer med marmorhyllen og den nydelige kakkelovnen.
I andre etasje finner man trapperommet med bar og sofa-område mellom soverommene. Her har vi levert et fotografi fra torget i Lillestrøm på 50-tallet.
Utsmykking med Dronning Elizabeth II på tigerjakt, 1961
Inne på det røde soverommet har tapeten en følelse av kolonitiden og vi fikk umiddelbart vår samarbeidspartner Polyfoto Vintage opp i tankene. Fra deres arkiv foreslo vi utsmykking med motivet med “Dronning Elisabeth på tigersafari”. Fotografiene fra dette arkivet finner du flere av i galleriet vårt midt i Lillestrøm. Innramming med vintage ramme fra vårt lager.
Dronning på tigerjakt i Nepal
Inne i himmelrommet har vi avfotografert og laget reproduksjoner av gamle bilder fra Kjeller flyplass. Disse historiske fotografiene forteller om historien rundt Norges eldste flyplass. Mye av dette er knyttet tett opp mot gården og det er mulig å bestille et foredrag om historien til gården når man booker lokalene.
Ved inngangspartiet på veggen mot garderobene henger også historiske bilder som er reprodusert, retusjert og har innramming med sort avstandslist montert inne i Larson&Juhl list fra serien “Sofia“.
Vi har valgt rammer som er forskjellige i alle rom. Stilen er tilpasset møblene i rommet og farge-paletten som er brukt. Etter en befaring på Kjeller Gård tok vi med bilder og rammelister opp til gården for en gjennomgang sammen med Anne. Sammen fant vi disse løsningene som kompletterer de fine rommene.
Anne-Mette Kelter tells us the story of her stunning world of Polaroid Photography.
When I first started to dive into the wonderful medium of Polaroid photography, I bought the “BIBLE” within Polaroid photography. That book is called “The Missing Manual” written by Rhiannon Adam. It was a book explaining about Polaroid-world. All the various camera, films, and the many creative techniques that can be used for this amazing medium.
I especially found the chapter about Polaroid decay interesting. The technique showed so much potential, and had an outcome that speaks very well to the way I wish to work. I am a very patient person and this process requires more than a lot of patience since it can take up to 6 months from start to finish to create a piece ready for framing.
The stunning process
I was stunned about the fact that leaving the polaroid in just a little water in a lunchbox with a lit on to soak for a couple of months would make the chemistry dissolve and mix with the water giving the polaroid a whole new and completely unique look that could never be recreated. The original decays are really to be considered alongside paintings since it is an analogue process with a unique and individual outcome.
Some time ago, I was struggling to precisely describe what my decay work represented. I talked to a friend about it, and she described it as “Somewhere between dream and reality”. And that is acutally a very precise description. Spot on, really!
Anne-Mette Kelter with one of her vintage cameras at OSCAR studio&gallery i Lillestrøm, Norway
I hope for my work to be like a dream, for me and for my audience.
Anne-Mette Kelter
I hope for my work to be like a dream for me, and for my audience. I may see something in a decay that no one else can see and vice versa. That is the whole idea about my decaying process. I hpoe the viewer will be taken on a personal journey, where they will discover elements in the polaroids that speak to them on a personal plan. I aim for my work to be like going on a private journey into a land of dreams and fantasy when looking at my pieces.
Wait wait wait…
I put my polaroid in water – and I wait….and wait…. And weeks later I begin to see a small change/disruption in the photo. I often leave the polaroid in water for around 8 weeks. Then I take them out of the water and leave them to dry for another couples of months. All this before they can be scanned, enlarged etc.
When doing my first Polaroid decay I was thrilled to see the outcome. I knew at once that this was a technique that I wanted to develop more. My motivation was to find my own look, and thus my own and identifiable creative language as an artist.
When something disappears, you find something new
Sometimes I leave the polaroid soak for such a long time that the original motif has completely disappear. Then the emphasis is on the colors and the structures of the shot. On other occasions I take the polaroid out of the water when the original motif is still visible.
Depending on what look I wish for the polaroid to have, I can either take it to the extreme to show the structures. Or I can leave the motif visible to emphazise the story I wish to tell.
I consider myself a storyteller through my polaroids. I love the dramatic and abandoned landscapes of Connemara, where I live. And I am thankful that I live right in the middle of my “canvas” so to speak. I moved from Copenhagen to Western Ireland in the beginning of 2022. Here I will pursue my overall passion for landscape-polaroid photography.
To see more of my work and prices visit OSCAR studio&gallerys webshop.
If you wish to purchase an original, please enquire at [email protected]
Vi er så heldige å ha fotografen Yvonne Svae Grotli i vår “stall”. Hennes magiske undervannsbilder tar oss med til en rolig og harmonisk verden. Bli med oss inn i hennes estetiske sfære og bli bedre kjent med Yvonne og hennes bilder.
Yvonne har fotografert siden ungdomsskolealder, og har en forkjærlighet for 35mm og det analoge uttrykket. Hun forsøker å gjenskape dette digitalt, og føler selv hun arbeider best med dette under vann. Kvaliteten på lyset under overflaten, og naturlige “korn” i vannet, gir det visuelle utrykket hun er ute etter.
Fotografering i og under vann startet med kjøp av engangskamera 35mm for mange år siden.
–“Jeg likte spesielt godt hvordan sollyset skapte en helt egen stemning under vann. Noe som jeg opplevde som enda tydeligere etter å ha studert det i fotografiene.” Med digitale kamera og undervannshus ble det lettere å prøve og feile, og jeg forstod mer om hvordan bruke lyset opp mot objekter under vann.
Barna til Yvonne lærte seg vannets gleder fra de var få måneder gamle. Dette ga henne muligheten til å intensivere undervannsfotograferingen, og hun forsøkte så ofte hun kunne å fange deres glede og lek i vannet. Prosjektet har gått over mange år, og selv om barna nå er ungdommer så lar de henne fortsatt dokumentere deres lek i vannet.
De senere årene har jeg også funnet tilbake til det analoge fotografiet, og kombinerer det nå med skanning for å digitalisere og gjøre etter-arbeide. Det er fortsatt noe med følelsen i de analoge fotografiene som fasinerer meg. Dybden og det uperfekte ved dem.
– “Jeg er opptatt av å ta bilder i de riktige øyeblikkene, ikke bare knipse eller seriefotografere. Ønsker å fryse det jeg aner å se gjennom linsa, men som jeg ikke kan se helheten eller detaljene i før jeg kan studere øyeblikket som frosset tid og lys. Magien kommer fram i detaljene av dette.”
Bildene til Yvonne er både elegante og dekorative og er av den typen kunst som passer ypperlig i flere moderne interiør. Hennes fotografier kommer i ulike størrelser, men kun i et begrenset opplag. Hvis du er interessert i noe av hennes kunst på din vegg så kan du se flere motiver av Yvonne i vår nettbutikk eller ta kontakt med oss på [email protected]
EN FOTOGRAFISK SERIE AV MARTE MARIE BORUD NYBAKKEN
Den fotografiske serien Sculptures of Society oppsummeres godt av tittelen. I alle de elleve verkene av kunstner Marte Marie Borud Nybakken (26) møter vi levende skulpturer som er presset inn i umenneskelige positurer. Settene er gradiose, men tomme. Er det slik det føles å være ung i dagens samfunn?
Kroppen vår har blitt en målbar standard for vellykkethet. Jo mer uoppnåelig, jo bedre. Vi har alle følt presset rundt oss, men bare den yngre generasjonen har vokst opp fullstendig omsluttet av det. Hvordan oppleves dette fra innsiden? Marte Marie Borud Nybakken viser oss nettopp dette.
Før Borud Nybakken kom ut av det hun beskriver det som “bobla”, var hun ballettdanser. En bransje hvor kropps- og prestasjonspress nærmest er en del av gamet. Da hun var 20 år tålte ikke kroppen mer og hun måtte legge opp. Etter det sprakk også bobla. Hun ble nødt til å bevege seg på utsiden av den verden hvor hennes egen identitet var bygget på et fundament av andres oppfatning. Det var en forløsende handling som resulterte i en nesten sjokkartet opplevelse av unge menneskers verden.
I sin første utstilling forteller Borud Nybakken sin personlige historie med Sculptures of Society. Serien er klassisk fremstilt i elleve store, sort/hvitt fotografier. Tema og uttrykk er finslipt og tar ingen unødvendigheter med seg, men viser seg ærlig fortalt gjennom en ung kunstners øyne.
OSCAR studio&galleri er stolte av vårt samarbeid med Borud Nybakken og at vi nå endelig kan få presentere Sculptures of Society i galleriet fra 1. april. Ønsker du et bilde fra serien? Se tilgjengelighet og priser i vår nettbutikk.
Les mer om Marte Marie og hennes reise fra dans til kunst i artikkelen om henne i Romeries Blad.
Når du jobber med kunst og bilder slik som vi gjør, så blir det mange kreative og lekne dager på jobb. Likevel er ikke alle dager fullt så festlige og fargerike som denne. Her er en liten sniktitt fra da vi gjorde photoshoot med Fru Bugge til kunstmagasinet Bau Bible.
Målet var å få ærlige bilder som beskriver både kunstnerens personlighet og stilen i hennes kunst. Med Fru Bugge så betød det at vi ville trenge mye farger og en god del litt crazy elementer. Vi var ute etter en avslappet, men glamorøs atmosfære og bildene måtte ha en god porsjon humor. Det beste var derfor å dra rett til kilden og gjøre shooten hjemme hos Bugge. Der hadde vi alle ingrediensene vi trengte!
HJEMME HOS
Vi troppet opp hos Fru Bugge rett etter morgenkaffen og ble møtt i døren av ei som så ut til å være klar for den røde løperen, med store krøller i håret og plettfri leppestift. Dette lovet bra! Huset var alt vi hadde turt å håpe på og mer, med rekvisitter i hopetall som nærmest ba om å bli tatt bilde av. Instruksen fra Bugge selv var å “bare ta for oss av det vi ønsket”. Vi advarte mot at antageligvis kom til å snu huset litt på hodet, til tross for hennes ypperlig kuraterte hjem, og fikk da beskjed om at det var fritt fram. De resterende medlemmene i heimen var tydelig vant til at sånt kunne skje. Carte blanche – det beste vi vet!
Riggen til første opptak er gjort og stua har blitt til et fotostudio. Bowie spilles fra høyttalerene og proseccoen åpnes og skjenkes i en nett, liten tekopp med ordet Prosecco godt merket på. Det kan ikke bli riktigere enn dette! Når opptaket starter er vår jobb som fotografer å få modellen til å føle seg komfortabel og avslappet slik at de tør å vise seg frem “bak masken”. En bekymring vi ikke trengte å ha med Fru Bugge. Snakk om å bjuda på fra første sekund.
Her ser dere litt av resultatet fra shooten. Fargerikt, frekt og fornøyelig- akkurat som Fruen selv!
FRU BUGGE PÅ VEGGEN?
Ønsker du deg et kunstverk laget av Fru Bugge? Sjekk ut vår nettbutikk. For de nyeste motivene som Fru Bugge og KokkoART har laget i forbindelse med utsmykkingen av Dovrekvartalet. Se linken her eller les mer om duoen i vårt blogginnlegg.
Hvordan sette farge på en grå januarkveld? Vi inviterte kollagekunstner, Fru Bugge og grafittikunstner KokkoART, til å komme til oss for å snakke om sitt fargerike samarbeid. Duoen har jobbet sammen ved en rekke anledninger, men har nå sluttført sitt (til nå) største prosjekt – utsmykking av en 130 meter lang vegg i det nye Dovrekvartalet i Lillestrøm.
Dovrekvartalet er et område i Lillestrøm som har gjennomgått en voldsom transformasjon de siste årene. Nye høyhus har inntatt området og med dertil opparbeidelse av urbane utemiljøer tilpasset en by i sterk vekst. Kvartalet har toglinjen som nærmeste nabo og det var nødvendig å integrere dette i bybildet på en velfungerende måte. Ingen enkel oppgave, men det er her vår kunstnerduo kommer inn i bildet.
KokkoART som er tidligere grafittikunstner har et litt annet forhold til toglinjer enn mange av oss andre, og “foretrekker togutsikt fremfor sjøutsikt”. Dette vil han dele med resten av byen! Fru Bugge er allerede god kjent for sine fargerike og lekne popart motiver, gjerne med vakre ansikter i fokus. Sammen har de kombinert sine uttrykk og funnet en tone som virkelig treffer blink. I prosessen har de utviklet et sterkt vennskap og synergien det skaper omtaler de begge som “magisk”.
Kvelden for vår kunstnerprat åpnet også salget av motivene som utsmykker Dovrekvartalet. I alt fem fargesterke motiver er tilgjengelig fra prosjektet. Originalene ble fort revet bort, men vi kan glede med at gicléeprints fra serien fortsatt er tilgjengelig. De kan sees hos oss frem til 07. februar eller de kan kjøpes i nettbutikken her.
Gicléeprint kommer i str 40×50 cm (inkl. hvit kant. Motiv str 30×35 cm). Opplag 50. Alle motivene kommer også i str 90×120 cm i et opplag på 3 stk.
Katrine Tandberg er en av eierne av mote-og interiørbutikken Deg&Meg. Hun har god teft og masse kunnskap om hva som skal til for å skape et moteriktig, men også harmonisk hjem. Vi ble med hjem til Katrine for å vise hvordan vi jobber når vi gjør bildestyling og innreder med bilder.
Katrine har et personlig forhold til bildene hun har på veggen og mange av de representerer minner om personer eller faser i livet. Katrines bildesamling har utviklet seg gjennom årene og består av en kombinasjon av kunst som er arvet, kunst hun har fått og også kunst hun har kjøpt selv. Bilder hører naturlig med i et vakkert interiør. De er “smykkene” som tar mye oppmerksomhet i et rom. Likevel kan det være utfordrende å få mange ulike farger, stiler og ikke minst tidsperiodere til å henge sammen i interiøret. På en annen side så er det er nettopp disse unike skattene som er med på å skape et hjem med personlig stil og gir oss rom vi trives i.
På veggene i stuen har Katrine kombinert ulike teknikker som maleri, trykk og tegninger, og nettopp denne variesjonen er det som gjør veggen levende. Mange er redde for at bildene man har ikke “matcher” hverandre godt nok, men med nok bilder så forsvinner ofte dette problemet av seg selv. For å “rydde opp” og likevel få en fin, helhetlig vegg så kan det være lurt å gjøre litt av “ryddingen” med innrammingen. Med rammer som hører til i samme familie eller står godt til hverandre så smelter veggen fint sammen, til tross for mange ulike farger og materialer.
Et annet tips for å få ulike bilder og gjerne eldre bilder, til å passe inn i interiøret, er å sørge for at ramme, glass og passepartout er velholdt, rent og riktig satt sammen. Som rammemaker ser vi daglig fantastiske transformeringer av gamle bilder som får et helt nytt liv med ny rammeløsning. Gamle bilder med slitne glass, gulnet passepartout og feil ramme er vanskelig å få til å passe inn i en moderne sammensetning. Når vi gjør bildestyling er det ofte små knep og detaljer på rammeløsningen som skal til for å gi ønsket resultat.
I rommet mellom kjøkkenet og stuen har Katrine en sittegruppe ved peisen hvor hun har et sort/hvitt fotografi av Yvonne Svae-Grotli og et stort og ganske fargerkit portrett på lerett. Det fargerike lerettet kunne lett tatt all oppmerksomhet fra de andre bildene hadde det vært plassert anderledes, men ved å gi det en plass som er litt mer i bakgrunnen så fungerer det likevel godt å kombinere et rolig fotografi med det store og fargesterke bildet.
En ting er i hvertfall sikkert. Bilder er en stor del av både interiøret, hyggen og de personlige tingene vi omgir oss med. Det er masse “gammelt gull” som ligger i skuffer og på loft. Gi de en ny sjanse og se om det er noe i de som gjør deg glad. Da har du et godt utgangspunkt for noe som vil passe hjemme hos deg. Under ser dere bilder av samme rom med og uten bilder. For en som elsker kunst og bilder så er det utrolig å se hvor stor forskjell bildene utgjøre i et hjem. Viktigst av alt. Det er ingen regler og det er bare å ha det gøy og prøve seg frem. Det er i de uventetde kombinajonene magien oppstår! Synes du det er vanskelig å få veggen til å stemme? Bruk oss gjerne til hjemmebesøk og bildestyling.
Fotograf og billedkunstner Anne-Mette Kelter (DK) bor og arbeider på Vest-Sjælland. Der omgir hun seg med frodig natur og rolige landskap, og Kelters verk er gjennomgående påvirket av dette og hennes kjærlighet til naturen.
Kelter fikk sitt første kamera av bestefaren da hun var 7 år gammel. Selv sier hun at det mest sannsynlig var da kjærligheten til polaroidfotografering og det kvadratiske formatet startet. Siden 2018 har Kelter jobbet nesten utelukkende med det analoge mediet. Hennes foretrukne valg er Polaroids SX-70, som er en gammel, restaurert kameramodell.
Med sine fotografier ønsker Kelter å fortelle drømmehistorier gjennom sine bilder. Å få publikum til å dvele i et bilde og sende dem på sin egen indre fantasireise med assosiasjoner til sitt eget liv – eller bare gi et lite mentalt avbrekk. Kelter jobber med ulike teknikker med sine polaroidfotografier. Noen av de involverer nøysomt håndarbeid og andre er resultater av ulike kjemiske prosesser polaroidene utsettes for.
“Liquid Dresses”
I Liquid Dresses-serien bruker Kelter polaroidteknikken Emulsion Lift. Teknikken går ut på å dele en polaroid av mens den fortsatt er så fersk at limet og kjemien i polaroiden ikke har tørket ennå. Gjennom varmt og kaldt vannbad overfører hun emulsjonen av bildet, den bildebærende delen av polaroiden, til akvarellpapir. Mens emulsjonen fortsatt er fuktig, former hun emulsjonen til en “figur” som ser ut som en kjole. Ofte vil man kunne se det originale fotografiske motivet i utformingen av kjolen. Andre ganger har hun bevisst fotografert motiver med mange farger eller mye tekstur, så det først og fremst er disse elementene som er de viktigste i den «skapelsen».
“Polaroid Decays”
I Polaroid Decays-serien jobber Kelter med å løse opp kjemien i Polaroid-bildene. Polaroiden legges i et kar med vann slik at vannet løser opp kjemien. Over en periode på mellom 3 og 16 uker løses kjemien opp og det dannes unike mønstre, fargespill og folder. Når polaroiden har fått ønsket uttrykk, tas den opp til tørking og kan deretter rammes inn.
“Garden Tales”
Cyantopi er en gammel fotografisk teknikk hvor akvarellpapir belyses med sollys. Papiret må i forkant av belysningen være belagt med cyantopi-væske som må påføres i fullstendig mørke. Serien med tittelen “Garden Tales” består av et utvalg unike cyantopier med motiver hentet fra Kelters sommerhage og består av ulike blader, gress og blomster.
ARTDOM er et internasjonalt prosjekt som knytter kvinnelige kunstnere fra ulike nasjoner sammen. I år er det Pakistan og Norge som står bak prosjektet og temaet er “Feminism”.
OSCAR studio&galleri stiller ut bilder fra prosjektet ARTDOM.
Et blankt canvas på 1×1 meter skal fylles. En kunstner fra Pakistan og en fra Norge er paret sammen. Hver for seg skal de utføre sin del av jobben. I år var det de norske kunstnerne som malte sin del først, så ble de halvferdige kunstverkene sendt til de pakistanske kunstnere for å bli fullført der.
16. september på Grand Hotel i Oslo ble kunstverkene vist frem for publikum for første gang. Fra 14. oktober blir bildene vist på OSCAR før de reiser videre til Stockholm 30. oktober.
Prosjektet har som mål å bygge broer over landegrenser samt å løfte frem viktige spørsmål om kvinners rettigheter. Ved å fremme samarbeid mellom kunstnere i ulike land er ARTDOM med på å gi kvinnelige kunstnere en sterkere stemme. ARTDOM har blitt gjennomført tidligere, da i et samarbeid mellom svenske og iranske kunstnere. ARTDOM (Sverige+Iran) fikk stor oppmerksomhet i sosiale medier, i svensk TV og med utstilling i London, Gøteborg og Stockholm.
Nå blir del 2 av ARTDOM (Norge+Pakistan) å se i Lillestrøm hos oss fra 14. oktober til 28. oktober.
Vi ønsker deg velkommen til åpningen av ARTDOM på OSCAR torsdag 14.10. (Dørene åpner kl kl 18.00.)
Håper vi sees!
OSCAR studio&galleri stiller ut bilder fra prosjektet ARTDOM.
Vi har denne sensommeren gleden av å endelig vise frem utstillingen “Bodies of Nature” av Jessy Boon Cowler. Etter en lang prosess med mye stengte grenser og annet som har satt stopper for våre utstillingsplaner, så har vi nå åpnet dørene for høstens store separatutstilling med Boon Cowler. Kunstneren selv kom hit til Norge en uke før åpningen og laget to nydelige originaler som vi er stolte av å være de første som viser frem. Foruten disse originalene som er i serien “Cosmic Dust” så er dette første gang Boon Cowler er i Norge og dette er også hennes første separatutstilling. Det lite som er så gøy som å kunne være med å løfte frem unge, nye talenter!
Utstillingen blir å se frem til 20. september. Nedenfor er det litt info om kunstneren, utstillingen og bildene. Håper vi sees i galleriet denne høsten! Se alle bildene fra utstillingen her i vår nettbutikk her. For å lese mer om Jessy Boon Cowler og for å se flere av hennes serier besøk hennes nettsted her.
OM JESSY BOON COWLER
Boon Cowler er billedkunstner som er født og oppvokst i London, UK. Hun jobber med fotografi som grunnlag i sin uttrykksform og kombinerer analogt og digitalt fotografi i sine kollasjer. Utstillingen “Bodies of Nature” består av tre ulike prosjekter: Postcards from Pachamama, Multi love og Cosmic Dust. Boon Cowlers serier i “Bodies of Nature” tar for seg problematikken knyttet til menneskehetens forflytning fra naturen og fra hverandre og behovet for å se oss selv som en del av en større helhet.
Boon Cowler har tildligere stilt ut på Peckham 24, Sid Motion Gallery og Cob Gallery i London samt, på Photo Saint Germain Festival, Paris. Tidligere i år deltok hun på Valid World Gallery som en del av Experimental Photo Festival i Barcelona, og hadde kunstnerresidens under AIR.CAT prosjektet på Museu Municipal de Tossa de Mar. I 2020 ble hun kåret til en av Firecracker’s “10 Women to Watch” av PHmuseum. (PHmuseum er en talent-inkubator med mer enn 51 000 fotografer som medlemmer. De har en kuratert plattform som er dedikert til samtidsfotografering
I sin kunst er Boon Cowler opptatt av spørsmål som omhandler det nødvendige forholdet mellom det fysiske og det intellektuelle. Hun er opptatt av hvordan vi mennesker har blitt så løsrevet fra den naturlige verden og tidvis ser på oss selv som noe større enn naturen. Boon Cowler sier selv at det meste av hennes arbeider blir til gjennom en form for frustrasjon. “Nesten alle problemene vi står overfor som art, stammer fra vår manglende evne til å se ting fra et større perspektiv. Vi er en del av et mye større og komplekst system – sosialt, miljømessig, globalt, universelt.” Temaene hun jobber med har opptatt henne gjennom måneder eller år, men kommer visuelt til uttrykk gjennom en intuitiv prosess, og selve prosessen utgjør en del av det ferdige uttrykket. De tydelige klipte kantene og “uperfekte” og røffe lagene tilfører en mennesklig tilstedeverelse i bildene. Blandingen av analoge og digitaler teknikker og deres egenskaper understreker dualiteten mellom det fysiske og det intellektuelle og viser en nødvendig sameksistens.
POSTCARDS FROM PACHAMAMA
Bildene i Postcards from Pachamama er kollasjer av ansiktsløse figurer som omfavner sine egne, nakne kropper i takknemlighet og tilsynelatende henrykkelse. Postkort fra Pachamama er sammensatt av analoge, eksotiske landskapsbilder fra Latin-Amerika og digitale fotografier av harmoniske kropper. Hun viser at motsetninger kan sameksistere og komplimentere hverandre og hvordan en separasjonen fra vår natur fører til frustrasjon og et behov for å rømme. Fantasien, som spesielt de av oss fra kalde land har, om den eksotiske øy hvor vi kan gi slipp på våre hemninger og være frie.
MULTI LOVE
Multi Love er en serie på ni diptychs, som utsprinnger fra bilder fra skjønnhetsblader som Boon Cowler har satt sammen for å skape to forskjellige perspektiver. Prosjektet laget Boon Cowler ved slutten av et forhold og det er en form for selvterapi, personlig utforskning og selvuttrykk. Den viser at destruktiv energi kan kanaliseres inn i en kreativ prosess og minner om at det er minst to sider av hver historie.
COSMIC DUST
I serien “Cosmic Dust” er Boon Cowler inspirert av kunstneren Gustav Klimt, og hans sensuelle, men også sterke fremstilling av kvinnene han malte. Boon Cowler har, uavhengig av kjønn og andre faktorer, fotografert sine subjekter i samme ånd, med balanse mellom det sterke og sensuelle. Der Klimt bruker variasjoner av ornamentering i sine bilder, fyller Boon Cowler mye av flatene ved bruk av Photoshop og programmets innstilling for å etterligne menneskelig hud. Over dette tilfører Boon Cowler også analoge prosesser i lag med bladgull og blekk i sin tolking av Klimt´s uttrykk.
To bilder fra utstillingen Bodies of Nature. Cosmic Dust. Jessy Boon Cowler. Oscar studio&galleriDiptyc fra serien Multi Love av kunstner Jessy Boon Cowler. Utstilling Bodies of Nature.
Kan vi betrakte uten å tillegge egne erfaringer i det vi ser? Finnes en “nøytral” eller er vi alle farget av tillært semiotikk? Billedkunstner Erik Wessel utfordrer vårt syn i begge retninger med fotoutstillingen “Costas”. Han viser oss landskap skapt i møtet mellom natur og vår ofte hensynsløse inngripen i den. Han lar det være opp til oss og avgjøre om det er vakkert.
Denne høsten viser vi en fotoutstilling av Erik Wessel i vårt galleri. Det første bildet i serien “Costas” ble tatt i 1964, mens selve prosjektet ble utviklet i årene 2007 – 2012, og ferdigstilt i 2020. Fotografiene vises nå for første gang i OSCAR studio&galleri og det er vi som har kuratert utstillingen.
Wessel er utdannet billedkunstner ved Statens håndverks- og kunstindustriskole, Akademiet i Sevilla, Spania og Statens Kunstakademi. Han er prof. emeritus fra Kunsthøgskolen i Oslo og var i flere år daglig leder av Maleravdelingen på SHKS. (Les mer om Erik Wessel her.)
I serien “Costas” møter vi motiver som er kjent for mange – det være seg Costa Blanca eller en hvilken som helst annen kyst. I fotografiene blir vi fanget foran den utsikten vi vanligvis passerer. Det som ikke utgjør det spektakulære eller som vies vår bevisste oppmerksomhet. Wessel sier selv at han ønsket å fotografere lukten og luften av å være til stede. Slik fremkaller han de uretusjerte minnene.
Serien “Costas” byr på en utfordrende dualitet. Pinlig nøyaktig komposisjon og fargebalanse gir lett assosiasjoner til det maleriske, som alltid har preget Wessels kunst. Likevel er denne serien på mange måter et møte mellom det klassiske, høykulturelle maleriet og de banale postkortene fra sydenferien. Det vil si, de ærlige postkortene, slik de kanskje burde vært. Han har verken lagt til eller trukket fra noe, men fått landskapene til å fremstå vakre i all sin ærlige brutalitet.
Utstillingen er en salgsutstilling og fotografiene kan kjøpes i vårt galleri eller gjennom vår nettbutikk. Klikk her for nettbutikk.
Vi får stadig spørsmål om hvor mye det koster å ramme inn et bilde hos oss. Pris på innramming varierer på lik linje som på andre produkter, så det er litt som å si “hvor mye koster en sofa”, men med bare litt mer informasjon kan vi hjelpe deg godt. Her kommer noen tips til deg som skal ramme inn bilder.
1- Størrelsen på bildet ditt er med på å bestemme pris på innramming. Prisen på rammer beregnes ut i fra materialet som brukes. Det er ikke som for sko eller klær hvor en XS koster det samme som en XL. Et bilde i str 42×60 cm (A2) vil derfor koste mer å ramme inn enn et på 20×30 cm (med utgangspunkt i at det er samme rammelist som brukes.)
2 – Prisen på glass kan utgjøre en betydelig del av beløpet. Også her er det størrelsen som bestemmer prisen, men også kvaliteten på glasset har mye og si. Kunst og bilder som er beregnet til å ha en lang levetid må beskyttes av glass som har UV-beskyttelse i seg. Jo høyere beskyttelsesgrad, jo dyrere er glasset. Hos oss benytter vi UV-70 og UV-92 og UV-99, hvor det vanligste er UV-70. Disse glassene er også behandlet slik at du ikke får reflekser i glasset og bildet gjengis betraktelig mye klarere. Vi anbefaler slike kunstglass med UV-beskyttelse og anti-refleks til alt av kunst eller bilder som skal vare flere år. Er det plakater, tegninger og bilder som hypping skiftes ut eller kun skal henge på veggen noen år, så er det helt i orden å bruke vanlig glass. Det er stor prisforskjell på disse glassene!
3- Rammelist Igjen så er det stor forskjell på kvaliteten på rammelister. Det har noe med treverket i listen, hvor kompleks den er i overflaten, tykkelsen på listen m.m. Det er like stor forskjell her som det er på en sofa fra IKEA og en sofa fra Slettvoll, både i pris, holdbarhet og “finish”. Fordelen vår er at vi kan tilby rammer i alle kategorier og alt der i mellom. Noen bilder vil man investere i mens andre er det mindre viktig med. Det er kanskje forskjell på hvor mye du vil bruke på et bilde i stua og et bilde som skal henge i kjellertrappen?
4- Passepartout, avstandslist, dobbel rammelist, frihengslet bilde, flytende innramming, oppklebet bilde, akrylglass… Dette er alle “ekstra kostnader” som kan være med å påvirke pris på innramming. Innramming er et eget fag og det finnes utallige muligheter for hva vi kan gjøre for å fremheve et bilde. Vi ser nesten daglig hvordan et bilde kan forvandle seg fra å være et anonymt bilde til å bli et flott kunstverk, bare ved hjelp av rammeløsningen. Jo mer avansert en innramming er, desto mer kostbar er den som regel. Dette ofte fordi det er flere elementer/produkter involvert. Små detaljer og finesser kan gi et veldig classy løft til et bilde. Som alt annet her i verden – det kommer med en pris. (Det er derfor det er så nice… sukk)
5 – Kvalitet! Kvalitet i vår rammeverden betyr ofte holdbarhet. En hovedregel er at veldig rimelige rammeløsninger som står ferdig i interiør -eller hobbybutikker ikke har den kvaliteten som en dyrere ramme fra et rammeverksted har. Det er ikke bare den synlige kvaliteten, men også holdbarheten i materialene som er brukt. Vi har snakket om glass og beskyttelse, men også alle de andre materialene som er i berøring med bildet bør være av materialer som ikke vil skade bilde ditt over tid. Dette kan en rammemaker guide deg til. Vi bruker alltid syrefrie materialer i våre passepartouter, kartonger osv. Dette for å kunne bevare kunst best mulig over tid. Kvlitet er en vesentlig faktor på påvirker pris på innramming.
Her kommer noen tips som kan hjelpe deg når du skal finne innramming til et bilde
Tips #1 – Ta med bildet. Ta alltid med deg bilde ditt når du skal kjøpe ramme. Rammen utgjør veldig mye av helheten på et bilde. Har du med bildet kan vi finne helt riktig ramme til deg. Mange vil bare ha en “sort galleriramme” da dette er en type ramme passer til mange bilder og mange interiører. (Vi har ca 60 ulike “sorte gallerirammer”. Ta med bildet ditt og vi finner den som passer bildet, interiøret og budsjettet.)
Tips # 2 – Ha et budsjett Sett deg gjerne et budsjett for hvor mye du ønsker å bruke på bildet. Er det et bilde som skal få hedersplassen i stua eller det er et stort eller viktig bilde for deg? Da er det lurt å tenke på innrammingen som et møbel. Noe du ikke skifter ut hvert år og det skal tåle at moten svinger litt i løpet av dets levetid. Uansett er det lurt å fortelle sånn ca hvor mye du ønsker å bruke på innramming av bildet. Da kan vi finne frem rammer i den priskategorien du søker.
Tips # 3 – Hvor viktig er bildet? Ta i betraktning hvor lenge bildet skal “vare”. Dette kan også være med på å sette budsjettet litt. Ikke minst er det viktig med tanke på hvilke materialer som brukes i rammen og hvilke krav du har til holdbarhet. Er det noe som skal tåle tiden tann så anbefaler jeg deg å gå til et rammeverksted.
Tips # 4 – Hvor skal bildet henge? Ta med i betraktning hvor bildet skal henge. Vi vil alltid se etter rammeløsning som passer bildet ditt best ut i fra farger, motiv, stil m.m, likevel er det også slik at det kan være nyttig å se rommet eller veggen hvor bildet skal henge. Våre kunder tar ofte med bilder av interiøret som de har tatt med sitt mobilkamera. Mange av våre rammekolleksjoner kommer i “familiegrupper” hvor det er mange ulike nyanser av kalde og varme toner. Da har vi muligheten til å tilpasse rammen både til bildet og veggen hjemme.
I sommer vises utstillingen DARKROOM i vårt galleri. Utstillingen har referanser både til det fotografiske mørkerommet og til de mørke rom – det være seg et fysisk mørke eller en “noire” atmosfære.Utstillingen vises på OSCAR studio&galleri ut august. Dette er en salgsutstilling og alle bildene er signerte og er tilgjengelige i et begrenset opplag.
Utstillingen DARKROOM består av 15 fotografier fra flere ulike fotografer. Felles for alle bildene er at de tar for seg ulike fotografiske teknikker knyttet til mørkerommet. Fra analoge mørkeromsteknikker til digitale etterbehandlingsteknikker som i dag fungerer som vårt moderne mørkerom.
He Said / She Said I og II av Karine Ruud
Duoen “He Said / She said” er to fotografier som møter deg når du kommer inn døra. De er begge 120 cm store reproduksjoner av fotografier som opprinnelig ble tatt i 1950. Mannen på bildene er Helge Ruste, fotografen som drev OSCAR (den gang Oscar Pedersen) sammen med Mary Pedersen, fra 1947 til 1995. Fotografiene er ment som en slags hyllest til Helge og Mary. Den tidens klassiske, men harde lyssetting er forsterket og det typiske røde og oransje lyset fra det fotografiske mørkerommet farger bildene. Samtidig er Mary sin blyantsretusj fra 1950 tydelig å se. Serien har også fått tekster som kan leses i sammenheng med bildene.
Developing Memories I og II
Også disse to fotografiene leker med redesign av eldre motiver. Her er det satt i kombinasjon med utradisjonell innrammingsteknikk som har stor betydning for bildenes uttrykk. Fotografiene viser til det typiske sort/hvitt mørkerommet og det motivet som først tegner seg på en fotokopi som ligger i et fremkallerbad. Begge bildene består av to fotografier hvor av det ene er bakgrunnsbildet og det andre er et vannspeil som er printet på transparent akrylglass.
Bodies Exposed
Bodies Exposed er ni sammensatte bilder av tette utsnitt av kropper. Alle de ni bildene er fotografert under samme forhold, men de er fremkalt ulikt og viser motivene fra hvitt til sort og ulike gråtoner. Toneskalaen tar i stor grad over for motivene. Serien forvandles til å handle om form og linjer vel så mye som tette kroppsdeler. Installasjonen er 155 x155 cm og kan kun kjøpes samlet.
Dessert – From Dusk to Dawn
Serien from Dusk to Dawn viser fire klassiske sort/hvit fotografier av ørkenlandskap fra Namibia. Fotograf Karine Ruud har fotografert fra soloppgang til solnedgang. Serien viser hvordan landskapet består av mer enn egne former, men også endres kraftig ut i fra solen og også skyggenes bevegelser.
Naturlig Form av Stig Marlon Weston
Naturlig Form er en serie fra Stig Marlon Westons kameraløse fotografier. Disse enkle og rene motivene i kombinasjon med den eksperimentel mørkeromstekniken som ligger til grunn, gjør at serien passer utmerket i en utstiling med navn DARKROOM. Her vises mørkeromskopier som har blitt til i det fysiske mørkerommet uten først å ha vært innom et kamera. Stig Marlon Weston er regnet som en av verdens 40 beste analoge fotografer. OSCAR studio&galleri representerer Weston et bredt utvalg av hans fotografiske serier.
